Una nueva adaptación de “Wuthering Heights” vuelve a dividir opiniones al priorizar la estética, la sensualidad y la memoria cinematográfica por encima de la fidelidad literaria. La propuesta de Emerald Fennell no busca reproducir la novela de Emily Brontë, sino dialogar con décadas de historia fílmica. El resultado es una obra que despierta fascinación y rechazo en partes iguales.
Desde su anuncio oficial, la versión más reciente de “Wuthering Heights” bajo la dirección de Emerald Fennell ha suscitado un vivo intercambio cultural. No se presenta solo como otra adaptación de la famosa novela de Emily Brontë, sino como una declaración sobre la manera en que el cine actual puede reinterpretar un clásico sin someterse a una fidelidad rígida. En lugar de perseguir una recreación académica de los páramos ingleses o del drama victoriano, la cineasta británica apuesta por una propuesta estilizada, sensorial y marcada por una fuerte autoconciencia.
La película, estrenada bajo el título entrecomillado de “Wuthering Heights”, introduce desde su promoción una pista clara: no aspira a ser la adaptación definitiva, sino una versión posible entre muchas. Esa elección gráfica, aparentemente menor, funciona como un gesto programático. Las comillas evocan una tradición visual del Hollywood de mediados del siglo XX, cuando los títulos aparecían destacados en los tráilers como recurso tipográfico distintivo. Al recuperar ese estilo, Fennell sugiere que su película dialoga más con la historia del cine que con el texto publicado en 1847.
En el plano narrativo, la directora opta por una decisión que ya había marcado varias adaptaciones previas: centrarse exclusivamente en la primera parte de la novela. Con ello, la narración se detiene antes de que el romance evolucione hacia una exploración más amplia del rencor, la carga afectiva y el trauma transmitido entre generaciones. Esta apuesta disminuye la complejidad formal del libro, suprime figuras secundarias y ordena la secuencia temporal. No obstante, también potencia la intensidad erótica y corporal del vínculo entre Catherine y Heathcliff, resaltando el anhelo, la fijación y el impulso físico por encima del análisis interior.
Esa apuesta estética se traduce en una puesta en escena marcada por el exceso sensorial. La cámara se detiene en texturas, fluidos, superficies húmedas y detalles táctiles que construyen una experiencia más epidermis que introspección. La lluvia, el barro y los objetos cotidianos adquieren un protagonismo casi simbólico, pero nunca terminan de trascender la superficie. Para algunos espectadores, esta decisión constituye una traición al espíritu de Brontë; para otros, representa una actualización audaz que traslada la intensidad romántica al lenguaje visual contemporáneo.
El diálogo con el pasado cinematográfico es aún más evidente cuando se comparan las referencias de Fennell con la célebre adaptación de 1939 dirigida por William Wyler. Aquella versión clásica, protagonizada por Merle Oberon, consolidó una imagen romántica y estilizada de la historia que, con el tiempo, llegó a influir tanto como la novela original en el imaginario popular. La nueva película parece asumir que ese precedente forma parte inseparable de la tradición de “Wuthering Heights”.
La protagonista Catherine, interpretada en esta ocasión por Margot Robbie, encarna esa mezcla de homenaje y reinvención. El diseño de vestuario, a cargo de Jacqueline Durran, se convierte en uno de los elementos más comentados del filme. Robbie luce decenas de atuendos que evocan el glamour exagerado del Hollywood clásico más que la sobriedad rural del siglo XVIII. Tul, terciopelo, pieles y joyas abundantes transforman a Cathy en una figura casi icónica, más cercana al star system que al realismo histórico.
La inspiración visual no se reduce únicamente a la reinterpretación de Wyler; durante la etapa de preparación del rodaje, Fennell proporcionó a su equipo un extenso conjunto de referencias que abarcaba imágenes de Scarlett O’Hara en Gone with the Wind y la estética fantástica de Donkey Skin. Estas influencias dejan ver una intención evidente: dar forma a un universo visual que no busque reproducir con precisión la historia, sino transmitir una verdad emocional guiada por el propio lenguaje del cine.
En declaraciones públicas realizadas en el Victoria and Albert Museum de Londres, la directora ha insistido en que el vestuario no pretende reproducir una época concreta, sino expresar estados internos. La diseñadora Durran ha descrito el proceso como intuitivo y emocional, más que documental. Esta postura desafía la expectativa habitual que rodea a los dramas de época, donde la fidelidad a los detalles históricos suele considerarse un indicador de calidad.
La recepción crítica no ha sido homogénea, pues algunos medios han cuestionado la simplificación del argumento y el foco puesto en la sexualidad explícita, interpretando estas decisiones como un recurso para provocar o actualizar la obra a cualquier precio. Otros estudios, por el contrario, han destacado que cada generación adapta los clásicos en función de sus propias inquietudes culturales. En 1939, el propio The New York Times publicó una crítica firmada por Frank S. Nugent en la que se respaldaban las licencias creativas de Wyler, señalando que la película lograba condensar con acierto el núcleo emocional del relato.
El paralelo histórico resulta inevitable. Si la versión de 1939 fue acusada en su momento de suavizar o simplificar la novela, la de 2026 enfrenta críticas opuestas: se le reprocha haber intensificado lo carnal y reducido la dimensión moral y social. No obstante, ambas comparten un mismo impulso: reinterpretar el texto para ajustarlo a los códigos estéticos de su tiempo. En ese sentido, Fennell parece consciente de que toda adaptación implica una toma de postura, una lectura parcial que privilegia ciertos aspectos y sacrifica otros.
Más allá de discutir sobre la fidelidad, la película puede leerse como una meditación acerca del propio proceso de adaptación. Al optar por referencias del cine en vez de la literatura, la directora inscribe su propuesta dentro de una tradición esencialmente visual. La cuestión que atraviesa el proyecto no gira en torno a si se ha conservado cada matiz de Brontë, sino en cómo se resignifica hoy filmar un relato repetido infinidad de veces. En vez de rivalizar con el texto inicial, la película dialoga y mide fuerzas con quienes la precedieron en la pantalla.
La estrategia comercial también influye en este fenómeno. Distribuida por Warner Bros. Pictures, la cinta se introduce en un mercado global donde los clásicos literarios siguen representando una apuesta confiable, siempre que lleguen con un enfoque particular. La controversia inicial, impulsada por el tráiler y las redes sociales, ha ayudado a consolidar la película como un acontecimiento cultural que trasciende su valoración artística.
En última instancia, la versión de Fennell no busca reconciliar a los puristas con los espectadores casuales. Su ambición parece orientada a provocar una experiencia sensorial intensa, incluso a riesgo de resultar superficial para algunos. La superficie brillante —esa piel húmeda sobre la que resbalan las imágenes— funciona como metáfora de una propuesta que privilegia el impacto visual inmediato sobre la densidad narrativa.
Queda por ver si con el paso del tiempo esta adaptación terminará consolidándose como una reinterpretación significativa o quedará simplemente como una rareza estilística. Lo cierto es que, al igual que sucedió en su día con la película de Wyler, el debate en torno a “Wuthering Heights” va más allá de la comparación con la obra original. En esencia, se abre una conversación más amplia sobre la forma en que el cine transforma la literatura y sobre lo que el público actual espera de un clásico.
Al elegir mirar hacia el Hollywood de mediados del siglo XX en lugar de hacia el siglo XIX, Emerald Fennell ha dejado clara su postura: la historia de Catherine y Heathcliff no es un monumento intocable, sino un material maleable. Para algunos, esa libertad creativa ilumina el relato con una nueva luz; para otros, lo reduce a un reflejo brillante pero poco profundo. Como suele ocurrir con las obras que dividen opiniones, el verdadero veredicto dependerá de la memoria colectiva y de la capacidad del filme para seguir generando conversación más allá del estreno.