Wayne McGregor: “Nuestros cuerpos son historias” | Babelia

El coreógrafo británico Wayne McGregor (Stockport, 51) ha sido designado por un período de cuatro años como nuevo director del sector de la danza en la Bienal de Venecia, cuya nueva edición comienza el viernes 23 de julio. Sus propuestas radicales, su audacia revolucionaria y su estética basada en los desarrollos tecnológicos más punteros han sido promovidos por la crítica y los más diversos públicos, y acogidos como un arte lleno de nuevas ideas y un claro futuro en las artes. . Sus obras forman parte del repertorio de las más grandes compañías de ballet y teatros de ópera, y sus obras van desde la música contemporánea hasta la puesta en escena de óperas barrocas y cine. Motivado por los grandes debates de la actualidad, desde la ecología hasta las cuestiones de género, los campos virtuales o la inmersión tecnológica, este creador está dando pasos decisivos en su búsqueda de un estilo, atravesado por un lema tan controvertido que estimulante: la técnica académica como la herramienta. de la liberación.

Pregunta. Todos los coreógrafos sueñan con triunfar como su ballet. Cromo, pero no todos tienen éxito. ¿Este trabajo ha marcado tu carrera?

Respuesta. Cuando empiezas a hacer un ballet, nunca te preguntas si será un éxito o no. Creas lo que estás destinado a crear. Sin embargo, solo descubre la naturaleza de un ballet cuando lo comparte con el público; la audiencia es la última parte del círculo creativo. Cuando una obra resuena, desafía, inspira a tu audiencia, puedes sentirla y Chroma siempre ha tenido éxito, en todo el mundo, dondequiera que esté representado.

P. ¿Crees en el ballet narrativo?

R. Me interesa mucho contar historias de otra manera y promover las convenciones narrativas en la danza. Este año estaré creando una nueva pieza en Covent Garden, El proyecto Dante, que busca explorar la obra maestra poética que es la Divina Comedia en una serie de «traducciones». La próxima temporada, crearé una obra en tres actos con la escritora Margaret Atwood basada en su trilogía.Maddaddam. ¿Cuándo es la danza no narrativa de todos modos? Nuestros cuerpos son historias.

P. Con las óperas, tiene preferencia por el barroco y el rococó. ¿Te consideras neobarroco, manierista?

R. No me defino de una manera particular. No hay reglas en la creación, no hay reglas en el ballet, la ópera o el cine, y no quiero ponerme límites. Siempre soy curioso, abierto. Cuando surgen oportunidades de las que creo que puedo aprender, artistas con los que puedo colaborar y crecer, las aprovecho.

P. El ballet actual proviene esencialmente del teatro isabelino, de patrones presentes en la época de Marlowe y Shakespeare: la conversación viva con los muertos, la ensoñación de los actores, la narrativa en vuelta hacia atrás…

R. La idea de que el cuerpo es un archivo me resuena. Somos la suma de nuestra memoria genética, somática y emocional. Estamos construyendo un conjunto de datos que usamos para navegar por lo familiar y lo desconocido. También es cierto para la danza: estamos en comunión con los artistas del pasado. Hablamos con ellos y con ellos. En mi caso, los estadounidenses posmodernos: Merce Cunningham, Trisha Brown, Lucinda Childs, Steve Paxton están conmigo en el estudio, al igual que MacMillan, Ashton, Forsythe …

P. «Creo que la arquitectura y la coreografía tienen mucho en común, ambas se refieren a la forma en que los cuerpos se mueven en los espacios», dijo. Esta simbiosis ha estado presente desde la época de la Bauhaus. ¿Te influye esta tradición?

R. El espíritu de la Bauhaus es fundamental en mi práctica creativa y me inspira este grupo de artistas: Gropius, Mies, Schlemmer, Anni y Josef Albers … Su redefinición radical de lo que era posible, su instinto de colaboración, su El sentido de generar y defender el movimiento en el arte y aplicarlo en una variedad de contextos y situaciones me habla profundamente.

Necesitamos alejarnos de esta noción de que la tecnología automáticamente equivale al frío y pensar en cómo nos ha mantenido conectados durante esta pandemia.

P. ¿Qué opinas del uso de las nuevas tecnologías en la danza? ¿A dónde va la coreografía y qué papel jugará el bailarín en vivo? ¿La práctica de Difusión para crear una nueva «escena fría»?

R. Necesitamos alejarnos de esta noción de que la tecnología automáticamente equivale al frío y pensar en cómo la tecnología nos ha permitido estar conectados durante esta pandemia, donde una generación madura ha aprendido a usar estas tecnologías de comunicación para mantenerse conectados. sus familias y amigos. Ha sido esencial para nuestro bienestar emocional y nuestra riqueza interior. Por supuesto, siempre debemos cuestionar nuestro uso, pero la tecnología a menudo nos acerca a comprender nuestro cuerpo y nos motiva a ser mejores. Sin las lecciones de Difusión, las actuaciones, conversaciones y otros proyectos, el mundo de las artes se habría visto diezmado más dramáticamente durante esta pandemia. Sin embargo, nada puede reemplazar la inmediatez, la conexión profunda que obtenemos cuando usamos nuestro toque, nuestros cuerpos para estar juntos en un espacio a la vez, para sentirnos juntos, para compartir una respiración colectiva. Es el poder de bailar en vivo, bailar y vivir la vida.

P. Parecería que, para usted, el vocabulario académico del ballet es solo una herramienta entre muchas. ¿Es necesario encontrar tu propio idioma, para empezar a crear desde cero?

R. Solo respondo eso con el cuerpo y la imaginación de la gente que tengo enfrente. Amo a los bailarines y amo bailar. Me gusta encontrar problemas para ser resueltos por el cuerpo y me maravillo de la increíble herramienta tecnológica que es el cuerpo humano. Nunca me propuse innovar ni intentar ser revolucionaria, solo hago cosas que me estimulan, que me hablan. Mis bailes vienen de dentro, todos son autobiográficos en cierto sentido.

P. Usted fue nombrado director de la Bienal de Venecia en medio de una pandemia y tuvo que desarrollar el programa y en condiciones difíciles y complejas. ¿Pudiste hacer lo que querías?

R. Fue un honor ser invitado y acepté de inmediato. Tenemos que volver a encarrilar el directo. Estamos viendo con envidia lo que se ha conseguido en España en este sentido. Quería crear un festival de artistas que se conozcan y compartan su brillantez, en vivo y en tiempo real. Que nos toquen con sus ideas, su energía y su presencia. Hubo desafíos, pero también grandes oportunidades. Estamos encantados con lo que hemos desarrollado para esta edición.

P. La bailarina y coreógrafa española Iratxe Ansa formará parte de esta edición. ¿Cómo se desarrolla tu participación?

R. Iratxe e Igor Bercovich están desarrollando una obra contemporánea fascinante, y estamos encantados de que compartan su visión en el festival. También admiro su espíritu emprendedor: hacen que las cosas sucedan, en lugar de esperar a que otros diseñen un viaje para ellos. Son proactivos y necesitan crear.

P. La coreógrafa senegalesa Germaine Acogny recibe el León de Oro por su carrera. El multiculturalismo está fuertemente representado dentro del festival. ¿Tu elección forma parte de una tendencia actual o responde a imperativos artísticos?

R. Germaine es una figura emblemática de la danza contemporánea en África, así como un artista consumado a la venerable edad de 77 años y un maestro deslumbrante. Quiero que la Bienal refleje la diversidad en varias direcciones: género, raza, edad, para compartir el trabajo de artistas que trabajan al margen, que son invisibles para un público más amplio y que tienen un fuerte sentido de quiénes son y qué son. querer. de una manera que no hemos conocido. Definitivamente nos dirigiremos hacia eso.

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